Marnie

Realizada en 1964. Esta película es protagonizada por Tippi Hedren y Sean Connery. Basada en la novela homónima de Winston Graham.

Marnie Edgar es una cleptómana habituada a conseguir trabajo como secretaria para una empresa con una identidad falsa y después de unos meses, al conocer el acceso a la caja fuerte, realizar un robo millonario.

Llega a trabajar a Rutland’s donde el dueño, Mark Rudland, descubre el patrón seguido por Marnie. Él la chantajea para que se case con él a cambio de no denunciarla y decide descubrir la causa de sus trastornos psicológicos.

Marnie, la protagonista de la película, desarrolla una cleptomanía después de un trauma de la infancia. Su madre era prostituta en el barrio portuario. Una noche de una fea tormenta, cuando un marinero intenta tocar a su hija, la madre defiende a su hija. La trifulca acaba con la muerte del hombre por parte de la niña Marnie. Ella es incapaz de recordar años después lo que sucedió esa noche y el por qué siente ese miedo a las tormentas eléctricas y al color rojo.

Mark Rutland es el hijo del dueño de una empresa importante. El padre muere y él queda a cargo de la empresa. Mark reconoce a Marnie de su intento de robo anterior y por eso decide contratarla, para conocer su historia.

La película originalmente iba a ser protagonizada por Grace  Kelly. En ese momento Kelly ya era princesa de Mónaco. Ella había aceptado el papel y ya Hitchcock la había presentado como protagonista para su película, pero el pueblo de Mónaco rechazó la idea de ver a su princesa realizando el papel de una ladrona. Los estudios originalmente no estaban de acuerdo con la historia, solamente la habían aceptado por su posible éxito al representar el regreso de la princesa a la gran pantalla.

La banda sonora fue realizada por Bernard Herrmann. Esta fue la última película de Hitchcock en la que él se encargó de la música.

Hitchcock enfrentó serios problemas por la censura. En esta película se habla de la violación, abuso de menores, prostitución, asesinato. Los temas tratados en esta película eran adelantados para su época. En los años sesenta no era común hablar de una persona que enfrenta problemas psicológicos que le afectan en su vida futura.

A Hitchcock le gusta prescindir del diálogo y darle mayor importancia a lo que se puede transmitir con las imágenes. Como dice Conrad: “Prefería el silencio que no era normal”. Por ejemplo, la escena en la que Marnie roba el dinero en el banco, resulta muy interesante ver cómo la cámara es colocada de forma en la que se observa el robo al mismo tiempo que la empleada de servicio limpia el piso. Al final descubrimos que ella tenía problemas de audición y por eso no iba a escucha el zapato de Marnie mientras caía.

Conrad habla en su capitulo acerca del negro, blanco y el rojo sobre el problema que Marnie enfrentaba cada vez que observa el color rojo: las flores en la casa de su madre, el chaleco del jinete, la claridad de la tormenta eléctrica. Conrad dice que a Hitchcock le aterraban los colores porque revelaban la crudeza y vivacidad del interior del cuerpo; en el caso de Marnie, le recordaban el rojo de la sangre del hombre que asesinó.

En las películas de Hitchcock, conducir es una exhibición de dominio. Por eso Marnie no logra controlar a su caballo durante la carrera: ella no está en control de su vida, todo está fuera de su alcance. Tiene que matarlo para lograr dominarlo. El caballo de Marnie no le permite huir de su destino, por eso ella tiene que matarlo.

La cámara de Hitchcock es experta en el arte del subterfugio: nosotros somos cómplices y escapamos con Marnie en sus robos. La acompañamos en su aventura y esperamos que no sea descubierta

Conrad dice que un beso es una maravilla mecánica: la puntería debe estar perfectamente atinada. Para Marnie, las relaciones sexuales son como una transacción bancaria porque el hombre hace el depósito y después efectúa el retiro. Pero Marnie tenía una gran dificultad para entablar una relación con un hombre. No soportaba la idea de tenerlos cerca ni de que la tocaran.
Burke habla de que la madre es la fuente del miedo y el padre nos trae los recuerdo de todo lo sublime. En el caso de Marnie, al no tener recuerdos de su padre, éste le negó su seguridad: el mundo siempre sería para ella un lugar aterrador y extraño. Resulta muy interesante que para la época la madre de Marnie cuente cómo perdió su virginidad por un simple jersey.

Los pájaros

Película basada en el relato “The Birds” de Daphne du Maurier. Fue estrenada en 1963. Protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor.

Melanie Daniels conoce a Mitch Brenner en una pajarería. Él busca unas tórtolas para su hermana menor (Cathy) que cumple años. Melanie viaja a Bodega Bay para llevarle los pájaros a la niña. Es atacada por una gaviota y por eso se queda para la cena con la familia Brenner. La madre de Mitch (Lydia) no parece muy entusiasmada por la presencia de Melanie.

Al día siguiente, durante la fiesta de cumpleaños de Cathy, las gaviotas atacan a los niños mientras éstos juegan. Esa misma noche hay un ataque de gorriones en la casa de los Brenner y al otro día unos cuervos atacan a los niños en la escuela. También, las gaviotas atacan en el pueblo y se produce un incendio.

La familia Brenner y Melanie deben refugiarse en la casa familiar; huyen del pueblo durante la noche. Al abandonar la casa, ésta se encuentra completamente rodeada por todo tipo de pájaros.

Esta película se caracteriza dentro del cine de Htchcock por la ausencia de una banda sonora. Bernard Herrman estuvo encargado de la música de esta película, pero ésta es incidental. Los sonidos son utilizados para generar tensión y para captar nuestra atención durante los ataques de los pájaros. El silencio se mantiene durante gran parte de la película.

Conrad habla sobre el “oído ciego”: a Hitchcock le gustaba prescindir del diálogo, prefería el silencio porque no es normal. Incluso compara al silencio con un estado sagrado.

La escena previa al ataque de los pájaros en la escuela no necesita música ni diálogo. Melanie fuma fuera de la escuela, observamos cómo el patio se empieza a llenar de cuervos y los niños cantan sin saber lo que ocurre afuera. No hay diálogo. Cuando los niños salen de la escuela solamente los vemos correr mientras los pájaros los atacan, pero no hay música. 

Melanie Daniels, la mujer de la alta sociedad que llega al pueblo pequeño y monótono, es la responsable del ataque de los pájaros: con esa idea juega Hitchcock. Ella no tiene la culpa por el ataque de los pájaros (la rabia o alguna otra enfermedad sí), pero para los habitantes de este tranquilo pueblo, ella es la responsable. Durante el ataque de los pájaros que acaba en un incendio una madre le reclama, le dice que ella es malvada y que los ataques iniciaron con su llegada.

Hitchcock establece una relación entre este personaje femenino y el deseo sexual: la atracción que ella siente por Mitch la hace viajar a Bodega Bay; con su llegada al pueblo comienzan los ataques y ella se siente culpable.

Hitchcock y el thriller psicólogico: generar miedo a partir de la volátil realidad que nos rodea y los seres relacionales con los que tenemos que lidiar.  Conrad comenta del placer que extraemos del miedo, de nuestros temores innatos. Un indefenso animal (una tórtola) es la que relacionamos con la tragedia que acontece en el pueblo de Mitch. Hitchcock empieza a jugar con los pájaros y transforma a la indefensa tórtola en un despiadado cuervo que ataca a los niños en la escuela.

Las muertes en las películas de Hitchcock generalmente se generan a partir de elementos de la vida cotidiana: tijeras, un cuchillo de cocina. En este caso, un pájaro. Un animal que siempre está presente y nunca creímos capaz de atacarnos. Por eso el final en suspenso, desconocemos el motivo que los llevó a atacar, lo que nos hace vulnerables al ataque.

Pero Hitchcock quiere recalcar la inocencia de las tórtolas, por eso Cathy al abandonar la casa pide permiso para llevarlas: “Ellas no han lastimado a nadie”. La interrogante que nos queda es ¿entonces quién fue responsable del ataque?.

Los efectos especiales son importantes en esta película. Tippi Hedren comenta durante una gala del American Film Institute que Hitchcock no sabía cómo incluir los pájaros en el ataque a la casa de los Brenner. Debió incluirlos en postproducción, porque los pájaros en el momento de la grabación, no atacaron a los protagonistas. Hitchcock contrató a un entrenador de pájaros y a un experto en efectos especiales de Disney para solucionar el problema.

Las relaciones amorosas, los celos y la soledad son parte importante de la historia. Melanie viaja a Bodega Bay por la atracción que siente hacia Mitch. Allí conoce a Annie, una exnovia de Mitch que terminó su relación por los celos de la madre. La madre es presentada como una persona celosa que desea alejar a cualquier mujer que amenace con alejar a Mitch del hogar. No en vano son unos “love birds” (pájaros del amor) los que inician la historia en la pajarería.

La ciudad de San Francisco está presente en esta película también. Cuando Mitch escucha en la radio que otras ciudades están siendo atacadas hablan de Santa Rosa (la ciudad protagonista en “La sombra de una duda”), lo que sirve para aclarar que hasta los barrios estadounidenses seguros y tranquilos están siendo atacados. La película originalmente acababa con la vista del Golden Gate lleno de pájaros, pero Hitchcock no pudo realizarla por el costo. 

Psicosis

Una de las obras maestras realizadas por Alfred Hitchcock. Fue estrenada en 1960. La película está basada en la novela homónima de Robert Bloch que narra los crímenes cometidos por Ed Gein en Wisconsin. Protagonizada por Janet Leigh y Anthony Perkins.

Marion Crane, secretaria de una empresa inmobiliaria, debe llevar $40 000 al banco por orden de su jefe. Ella huye del pueblo con el dinero que debía entregar. Durante la noche, un fuerte aguacero la obliga a buscar refugio. Ella se hospeda en un pequeño hotel al lado de la vieja carretera: el Hotel Bates. Éste es administrado por Norman Bates. Bates le ofrece una pequeña cena a Marion;  le comenta sobre su afición por la taxidermia y habla de su madre enferma que vive con él. Mientras Marion se baña, una mujer entra al baño y la mata con un cuchillo. Minutos después Norman ingresa al baño a limpiar la escena del crimen y le reclama a su madre por el asesinato. 

 

La hermana de Marion, Lila, viaja donde Sam Loomis (el amante de Marion) porque presiente que su hermana está con él y quiere que ella devuelva el dinero robado. Un detective aparece: él fue contratado para recuperar el dinero. El detective busca a Marion en todos los hoteles del pueblo. Descubre que Marion se hospedó en el hotel de los Bates.  Él ingresa a la casa y es asesinado por la misma mujer mientras sube las escaleras. Norman esconde a su madre en el sótano porque sabe que sospechan de ellos.

Sam y Lila visitan el hotel porque saben que Marion estuvo ahí. Sam entretiene a Norman para que Lila pueda ingresar a la casa. Allí ella descubre en el sótano que la madre en realidad es un cadáver disecado y que el asesino es Bates que se disfraza de su madre.

El tema central de la película es del terror sagrado: el principal motivo del cine de Hitchcock, según Conrad, era el de alarmar a su público o causarle malestar.  Desde que Marion huye, ella sabe que le espera un destino trágico. Cuando ella viaja en su automóvil siente que la están siguiendo (ella sabe que está siendo observada). Desde que ella ingresa al hotel, la figura de la mujer que observa desde la ventana del segundo piso de la casa nos asusta. Ambos crímenes causan angustia en el espectador en el instante previo a que sucedan, porque Hitchcock le advierte al público que alguien va a morir en las dos ocasiones.

Cuando el alguacil  cuenta la trágica historia de la muerte de la madre de Bates y su novio causa angustia el desconocer quién es la mujer que observa a través de la ventana.

Los elementos característicos del cine de Hitchcock están presentes en esta película. Los crímenes so cometidos durante la noche, como dice Conrad:  “La noche es la morada original del miedo”. Resulta muy interesante el interés que le demuestra Hitchcock a los segundos previos a la muerte. En la escena de la muerte de Marion, vemos la sombra de la mujer que camina con un cuchillo al baño, lo que produce angustia en el espectador que no puede intervenir para evitar la muerte. En el caso del detective, la lentitud con la que sube las escaleras, la puerta que se abre silenciosamente y el plano desde el techo que muestra el momento en que la mujer sale a atacar a su víctima, producen ese mismo efecto.

Hitchcock también juega en esta película con aquello que podemos ver y lo que no: sabemos que hay una mujer en la casa, pero solamente vemos su sombra. Como no vemos su cara, Hitchcock nos lleva a conocer su cuarto, el espacio más íntimo de cualquier persona.

La música fue realizada una vez más por Bernard Herrman. Los asesinatos no causarían el mismo efecto en el público sin las famosas notas de los violines imitando el sonido que produce el cuchillo al atravesar el cuerpo de sus víctimas. Esa obra en particular tiene particularmente el nombre de “El asesinato”. Hay otra alusión musical en la película, cargada de un fuerte simbolismo cuando Marion ingresa al cuarto del niño Bates. En el tocadiscos está colocada la sinfonía “Heroica” de Beethoven, aquella que el compositor dedicó a Napoleón. Citando  a Conrad: “Napoleón, hombre que se erige a sí mismo como un dios”. Esta sinfonía resulta particular porque su segundo movimiento es una marcha fúnebre al ídolo derrotado.

El móvil que lleva a Norman a matar es el amor. Él comete matricidio, el acto culminante de devoción filial. Después de matar a su madre, ya Norman era libre de convertirse en ella. Los asesinos de Hitchcock generalmente no son expertos, son aficionados que matan con armas comunes. El asesino de Psicosis utiliza un cuchillo, por lo que debemos tener miedo: sospechar de todo lo que nos rodea. Además, Hitchcock juega con los espacios. El que Marion sea asesinada en un baño tiene un gran significado, porque el baño es un espacio de invulnerable privacidad. Hitchcock juega con los espacios en los que nos sentimos cómodos.

La psicosis que Hitchcock desea producirnos se basa en la culpa que debemos sentir por estar vivos, somos moralmente responsables por observar crímenes y no hacer nada al respecto.

 

Vértigo

Basada en la novela “D’ entre les morts” de Pierre Boileau y Thomas Nercejac. Fue estrenada en 1958 en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La película es protagonizada por James Stewart y Kim Novak.

John “Scottie” Ferguson es un detective que decide renunciar a su trabajo al ser incapaz de superar su vértigo. Gavin Elster, un antiguo compañero, lo contrata para que vigile a su esposa (Madeleine Elster) que sufre de un extraño caso de melancolía.

Scottie sigue a Madeleine y descubre que ella está obsesionada con Carlotta Valdés, su bisabuela. Madeleine se intenta suicidar en la Bahía de San Francisco, pero es salvada por Scottie. Ellos inician una extraña relación hasta que Madeleine se lanza de una torre recurrente en sus sueños. Scottie es internado en un psiquiátrico y tiempo después conoce a Judy Barton, quien le recuerda a Madeleine. Descubre que ambas son la misma persona por un collar que tiene Judy pero que le pertenecía a Carlotta.

Al final de la película, Judy (que en realidad nunca fue la verdadera Madeleine) se suicida en la misma torre de la que fue lanzada la verdadera Madeleine por su esposo.

Un tema esencial en la película es el de las perturbaciones de la conciencia en los personajes. Primero, la acrofobia de Scottie y la relación que él establece entre los lugares altos y el precipicio por el que cayó su compañero de trabajo. Él se siente culpable porque su miedo a las alturas le impide salvar dos vidas: incluso, en el juicio ese tema es resaltado. También, los problemas que persiguen a Madeleine (su obsesión con Carlotta Valdés): ella lleva una rutina atípica, visitando durante largas horas los lugares que se relacionan con su bisabuela. Hitchcock nos da a entender que Midge, la amiga de Scottie, está enamorada de él. La dejamos de ver después de que Scottie le reclama por el cuadro que realiza de ella como Carlotta. La última escena en la que aparece, ella sufre de un extraño ataque de ira.

Hitchcock utiliza diversos elementos visuales que hacen prescindir de las palabras en la película: el cuadro de Carlotta que está en el Palacio de la Legión (especialmente el collar que le permite a Scottie descubrir que ambas mujeres son la misma persona), las referencias a lugares característicos de la ciudad de San Francisco, las flores que sostiene Carlotta en el cuadro, el precicio, la torre de la misión española, las escaleras en la torre.

El componente onírico es característico de esta película: el sueño de Scottie cargado de elementos mencionados a lo largo de la historia (el collar, las flores, las escaleras). En el caso de Madeline, aunque no lo vemos, ella habla del pueblo español presente en sus sueños.

El tema del falso culpable está presente, aunque en una variación en esta película. En cierta forma, la locura de Madeleine es la causa de la muerte en la historia, pero al final descubrimos que es Gavin el verdadero culpable, aunque logre huir del país.

Otro elemento recurrente en la película es el de la relación del crimen y la noche: la muerte de Madeleine y el suicidio de Judy ocurren de noche. Aunque no sabemos la hora exacta de la muerte de la verdadera Madeleine el cuerpo es arrojado de noche.

La música, compuesta por Bernard Herrman (gran colaborador de Hitchcock) es uno de los principales elementos de la película. El tema de la película, interpretado por las cuerdas y los bronces, es presentado al inicio y se repite en los momentos más importantes de la historia. Hay largas secuencias en la película (como la que describe los lugares que visita Madeleine o el sueño de Scottie) que no incluyen diálogo, solamente música.

En esta película el asesino sí logra cometer el crimen perfecto: Elster logra engañar a todos, haciéndoles creer que su esposa se suicidó. El único error es que le entrega las joyas de su esposa a Judy. En realidad el error lo comete Judy al usar el collar frente a Scottie.

Un flashback al final de la película es que revela lo que realmente sucedió la noche de la muerte de Midge. Judy recuerda como ella sí terminó subir las escaleras y observa a Gavin arrojando a su esposa por la ventana de la torre.

Al igual que en “La soga” y “La ventana indiscreta”, la visión que tenemos de los acontecimientos es la que Hitchcock nos presenta. Nosotros vemos lo mismo que el protagonista: creemos que Madeleine es la mujer que cena con Gavin en Ernie’s y que la mujer muerta en el tejado era la misma que conocía Scottie.

Chabrol y Rohmer hablan de una parálisis por parte de James Stewart, similar a la que sufre el actor en “La ventana indiscreta”. La diferencia es que esta vez la parálisis la produce el vértigo y la relación que él establece entre este miedo y el pasado. Su inmovilidad no le permite reaccionar cuando él lo necesita y él se siente culpable.

Los autores hablan de que los dos motores en la película son el tiempo y el espacio. El tiempo es lento: el suspenso se mantiene a lo largo de la película y el espacio remite continuamente a la ciudad de San Francisco, pero siempre presentes los mismos lugares.

Chabrol y Rohmer comentan la importancia del helicoide el la película: primero, en el cabello de Madeleine imitando el cabello de Carlotta en el cuadro, y en las escaleras de la torre de la iglesia. La profundidad de las escaleras remite al miedo que le produce la altura a Scottie.

La ventana indiscreta

  

L. B. Jefferies es un fotógrafo de una revista, acostumbrado a viajar por el mundo en situaciones extremas. Sufre un accidente y debe pasar ocho semanas en una silla de ruedas. Durante este tiempo se dedica a observar la vida de sus vecinos por la ventana de su departamento.

La última semana de su convalecencia observa una serie de eventos extraños en el apartamento de los Thorwald: Jefferies cree que se ha producido un asesinato y se empeña en dar con el cuerpo de la víctima y que el asesino sea encarcelado.

Al final de la película Lars Thorwald tiene un enfrentamiento con Jefferies y este último termina con ambas piernas fracturadas, pero el crimen se resuelve.

Esta película también está basada en una obra literaria, “It had to be Murder” de Cornell Woolrich, cuento de 1942. Tiene un carácter bastante cómico que la diferencia de otras películas de Hitchcock.

El protagonista de la película L.B. Jefferies es un fotógrafo que continuamente viaja por el mundo, está acostumbrado a buscar la acción y por eso le resulta tan aburrido estar varias semanas confinado a una silla de ruedas. Él está comprometido con Lisa Freemont, pero no se quiere casar porque la considera “demasiado perfecta” para él.

 Lisa es una mujer hermosa e inteligente, pero demasiado perfecta para Jefferies. Él desea a “una mujer ordinaria que ame la vida”, y no considera que ella sea capaz de viajar solamente con una maleta sin tener un hogar establecido.

La inmovilidad de la que es víctima Jefferies físicamente también se adapta a la dificultad que tiene para casarse con Lisa incluso cuando él sabe que es imposible hallar a una mujer que se le compare.

Un aspecto que resulta fundamental en la historia y que hace recordar a la película “La soga” es el de la locación, ya que todos los acontecimientos se desarrollan en el mismo lugar (no vemos nada más allá de la ventana del protagonista). El hecho de trabajar en un espacio tan limitado le permite a Hitchcock alternar el tipo de planos que utiliza y los detalles a los que les presta mayor importancia.

Los acontecimientos destacados se desarrollan durante la noche, como en casi todas las películas de Hitchcock: la discusión sobre el matrimonio entre Lisa y Jefferies, el asesinato, el peligroso enfrentamiento entre Lars Thorwald y Jeff.

El crimen no debe ser visto por los espectadores (podría decirse que la misma sociedad), por eso Lars baja las cortinas durante la noche del asesinato y solamente las sube a la mañana siguiente. También, cuando la señora Solitaria “Miss Lonelyhearts” se intenta suicidar baja las cortinas.

Un tema sobre el que se conversa entrelíneas es sobre el “crimen perfecto”. Este asunto no se trata directamente, pero Stella, Jefferies y Lisa hablan sobre muchos detalles que un asesino no debería dejar pasar en alto a la hora de cometer un crimen. Por ejemplo, Lisa discute que una mujer jamás se iría de viaje sin sus joyas (y menos sin su anillo de bodas), por eso se empeñan en recuperar el anillo de la esposa; Jefferies observa al asesino salir de su casa varias veces en una madrugada en la que llueve mucho, lo que un buen asesino no haría porque levantaría sospechas.

El asesino de la película es muy diferente al de otras películas de Hitchcock especialmente porque es hasta el final que lo escuchamos hablar. El primer plano que observamos de su cara se presenta en los últimos minutos de la película, cuado éste ingresa a la casa de Jefferies. No sabemos cuál fue el motivo que lo llevó a matar a su esposa, lo único que sabemos de él es que es un vendedor. Lars Thorwald parece ser un asesino inexperto y no resulta un personaje tan enigmático como otros de los villanos de Hichtcock.

La imagen de la mujer también es un asunto destacado en la película. Lisa es la mujer perfecta deseada por los hombres. Ella incluso bromea con que los libros de detectives siempre incluyen a una mujer que les ayuda a resolver el crimen: ella no es la excepción. En el edificio de enfrente está la imagen antagónica de Lisa: Miss Lonelyhearts cena todas las noches con su compañero imaginario y bebe hasta quedarse dormida. Miss Torso es presentada como una mujer superficial que solamente juega con sus admiradores adinerados, eso es lo que se asume desde la ventana del fotógrafo. Pero al final vemos que su novio es una soldado que  dista mucho de el séquito de pretendientes de la bailarina.

La música en esta película consiste prácticamente en el sonido del ambiente que se escucha desde la ventana de Jefferies: la cantante que vocaliza todas las mañanas, las conversaciones entre los vecinos, y principalmente la melodía que repite el compositor. La canción del pianista es la que evita que Miss Lonelyhearts se tome los somníferos con los que se pretendía suicidar.

Los planos utilizados por Hitchcock limitan la visión del espectador a conocer exactamente lo mismo que el fotógrafo: nosotros también somos espectadores del supuesto crimen que se cometió en el otro edificio, nada más podemos observar lo que suceda frente a la ventana. Estamos inmovilizados al igual que Jefferies.

El uso de la cámara en esta película es lo que resalta cada una de las historias de los vecinos del fotógrafo. Un plano picado muy interesante es el que se utiliza cuando Jefferies redacta la carta preguntando por Anna Thorwald, es como si el espectador fuera la cuarta persona en ese cuarto. Los planos utilizados cuando Lars entra al departamento de Jefferies le confieren gran dramatismo al desenlace de la película.

Con M de muerte.

Película que encabeza el período en el que Hitchcock trabajó para la Warner Brothers. Está basada en una obra de teatro del dramaturgo inglés Frederick Knott, quien se encargó también de realizar el guión para la película.

En el planteamiento de la película Tony Wendice (Ray Milland), un tenista retirado, decide asesinar a su esposa (Grace Kelly) para castigar su infidelidad. Él no desea vincular su nombre con el crimen por lo que soborna a un antiguo compañero de Cambridge (presentado como el capitán Lesgate) para que cometa el asesinato.

Wendice le indica a el capitán Lesgate, cuyo verdadero apellido es Swan, que debe entrar con una llave que él le quitó a su esposa y matarla mientras ella contesta el teléfono (Tony la llamaría a la hora acordada). El plan no resulta porque Margot logra defenderse y mata a Swan. 

Tony coloca en el saco de la víctima dos cartas del amante de Margot (Mark Halladay, un escritor de relatos de detectives) que él había robado de la cartera de su esposa. La policía cuestiona los motivos por los que Margot atacó a Swan y cómo logró él ingresar a la casa (él no portaba llaves y hay marcas de sus zapatos en la entrada del edificio) por lo que la condenan por el asesinato.

En el desenlace de la historia, los detectives descubren que la llave con la que ingresó Swan ( la llave de Margot) está en la escalera; frente a la puerta de la casa de Tony y que él fue quien se la entregó a Swan. Margot queda libre y Tony brinda por la astucia del detective.

El tema principal de la película es el del crimen perfecto: Wendice define cada detalle del crimen (el supuesto robo, la forma en la que Swan va a ingresar a la casa, el dinero con el que le va a pagar a Swan, la hora para el asesinato), pero aún así éste no resulta. Hitchcock se mofa del tema en la película al incluir una pequeña conversación sobre este asunto entre Margot, Mark y Tony la misma noche en que se comete el asesinato.

El crimen perfecto es un argumento recurrente en el cine de Hitchcock. En sus películas se suele cuestionar si el crimen perfecto es posible: los personajes conversan acerca de venenos que son imperceptibles en la autopsia, detectives, posibles errores mientras se comete el crimen.

Chabrol y Rohmer resaltan la forma en la que Margot se libra de su muerte: le realiza una llave, elemento que resulta clave para que la policía encuentre al verdadero culpable. Los autores comentan que en la película en 3D se resalta esta escena, ya que es clave en la historia.

Un tema presente en la película y que también es recurrente en el cine de Hitchcock es la relación entre la noche y el crimen, ya que las muertes suceden de noche. Hay una relación entre la muerte y el suspenso.: la noche es oscura, solitaria, los trabajadores están en sus casas, hay personas peligrosas en la calle. El asesinato de Swan, que originalmente era la muerte de Margot, ocurre durante la noche. El desenlace de la película es durante el día (la mañana es segura, las personas honradas están en sus trabajos).

Otro tema sumamente importante es el del falso culpable.

Esta película es similar a “La soga” en cuanto al uso de los planos. Casi toda la historia se desarrolla en la sala de la casa de los Wendice y las cámaras son colocadas de forma en la que semeja un escenario de un teatro.

La música es un elemento que utilizó Hitchcock para generar ciertas emociones en los espectadores: utiliza una música ligera y animada al inicio y al final de la película, música densa cuando Margot está siendo acusada del crimen.

Un detalle que genera más suspenso durante la visita de Lesgate a Tony es el silencio: la música inicia hasta que el primero acepta el trato y toma el dinero que Wendice le ofrece. La ausencia de música durante todos esos minutos reafirma el sentimiento de estar observando una obra de teatro. Chabrol y Rohmer alaban “la maestría con la que Hithcock mantiene nuestra atención durante los diez minutos de conversación entre dos hombres inmóviles”. El silencio, la presencia de un personaje desconocido en la casa de Wendice, el motivo por el que Tony empieza a usar un bastón; todo ocurre por un motivo.

Con M de muerte, es una película ordenada, con detalles bastante precisos y simples pero eso no quiere decir que no sean asombrosos antes nuestros ojos. 

Yo confieso.

Un inmigrante alemán (Otto Keller) asesina a un adinerado abogado del pueblo (Villete) al ser sorprendido por éste cuando le intentaba robar un dinero. El asesino le confiesa su crimen al padre Logan y éste es falsamente acusado del crimen, ya que el asesino fue visto saliendo de la casa de la víctima llevando una sotana. Al final de la película Otto muere y le pide al padre que lo perdona, así se comprueba la inocencia del padre.

El padre Logan es presentado como un hombre de una fe ilimitada, al punto de que casi llega a ser condenado por un crimen que no cometió; todo por no romper con su compromiso de no revelar la información que le dan los fieles en la confesión.

Otto Keller es un nazi que huye a Canadá junto con su esposa Alma, pero que no se acostumbran a una vida de trabajo arduo. Keller dice estar agradecido con el padre Logan por la ayuda que recibió, pero miente para no ser hallado culpable.

Ruth Grandfort es el amor de la juventud del padre Logan. Ella estaba siendo extorsionada por Villete porque él sabía de su relación con el padre, lo que termina involucrándola en la historia.

El tema principal en la película es el del falso culpable: el padre Logan no cometió el asesinato, pero como no puede explicar dónde estaba la noche del crimen todo apunta a que él lo cometió. 

Otro tema importante es el de la culpa: la culpa del padre Logan que le impide declarar que él sabe quién es el asesino, la culpa de Ruth por haber mantenido una relación en el pasado con un sacerdote y la culpa de Alma al saber que el hombre que les ofreció su ayuda estaba siendo juzgado por un acto que no cometió.

Otro tema importante es el de la sociedad: podría considerarse un personaje más. Es el afuera el que condena el amor del pasado de Logan y Ruth (a pesar de que nunca se muestra en la película que el padre haya roto sus votos) y el crimen cometido por el sacerdote. Es inconcebible que un sacerdote sea capaz de asesinar, todos lo miran con desprecio. Hitchcock juega muy bien con este tema con el tipo de tomas que utiliza, por ejemplo, cuando el padre abandona la corte son muy interesantes los planos utilizados.

Hitchcock era un católico practicante, el fondo religioso de la película es el que le da el tono, el que ayuda a mantener ese sentimiento de culpa y castigo a lo largo de la historia. La escena del padre Logan caminando mientras se observa la estatua de Jesús cuando cargaba la cruz antes de ser crucificado: porque el padre Logan era una especie de Jesús, al ser condenado por un crimen que no cometió. La enorme cruz con el Jesús crucificado en la corte es un recordatorio a lo largo de la historia de que están siendo observados.

Son sumamente interesantes las imágenes en la película: el blanco y negro permite a Hitchcock jugar con las sombras, la oscuridad y los contrastes. Por ejemplo, la oscuridad en la iglesia al inicio de la película, la luz de la candela de Logan que ilumina el pasillo y la sombra que cubre la cara de Keller y que es poco a poco revelada por la luz de la candela.

Esta es una película donde también se hace uso del espacio de una manera bastante grande, y se llega a mostrar lugares que incluso no forman parte de la cotidianeidad del filme, una de estas escenas es por ejemplo la regresión donde se observaba al padre Logan y a Ruth en una pradera, donde la lluvia los llega a alcanzar; y no les queda más remedio que pasar la noche juntos en el cobertizo de una propiedad en el camino.

Además de las tomas y encuadres que se muestran a lo largo del filme, que llegan a tomar parte importante de lo que quiere mostrar Hitchcock.      Algo que cabe señalar también es el hecho de que nos muestra una serie de relaciones interpersonales entre personajes bastante conflictivas, y que nos podemos dar cuenta de que en realidad la película gira en torno a las situaciones desarrolladas por los personajes dentro de cada relación.

El padre Logan y Ruth, estuvieron enamorados por mucho tiempo, incluso tuvieron su historia juntos antes de que Logan tuvo que irse a la guerra, después de muchos años se encuentran de nuevo, se dan cuenta de que siguen enamorados uno del otro.

De igual manera se manifiesta la relación que existe entre Otto Keller y el Padre Logan, se consideraban amigos, el padre le extendió la mano y le ayudo a tener un trabajo mientras Keller y su esposa estaban lejos de su nación, y Keller llega a traicionar esta confianza.

El tratamiento interpersonal del cual se hace uso en la cinta, además del factor visual, señalando lo que serian detalles de cámara (encuadres, tomas principales y secundarias, cuadros cerrados y demás) llegan a ser de gran manera y gusto utilizados por Hitchcock para dar a su película un suspenso y una trama bastante rica.